美术反映着人类的历史积淀，预示着人类文明的发展，它是一个民族文化状况的标志，也是一个民族精神状况的标志。美术作品的不同形式可以满足人们的多种情感，而情感是否能够得到满足，则要求人们具备相应的美术鉴赏能力，也就是一种对存在于美术作品各种形式关系中的整一性或和谐的感知能力。

图5-1         达·芬奇：蒙娜丽莎

达·芬奇的《蒙娜丽莎》有不少传奇故事，至今还在继续讲述中。蒙娜丽莎基金会宣布其取得的最新研究成果证明，画作《艾尔沃斯·蒙娜丽莎》（图右）同样出自达·芬奇之手，而且其创作时间还早于现藏于卢浮宫的《蒙娜丽莎》，被称为年轻版《蒙娜丽莎》。对于这一研究成果，国内外不少专家持质疑态度，但这无疑又为神秘的“蒙娜丽莎”增加了谜题。事实上，《蒙娜丽莎》“微笑”500多年来，也是不断被揭秘、探究、阐释的500多年。一幅美术作品为何能穿越如此漫长的历史，为全世界人所了解和关注，这也许就是美术的魅力之所在。

第一节 美术的定义与分类

一、美术的定义

 “美术”这一名词始见于欧洲17世纪，也有人认为正式出现于18世纪中叶，近代日本以汉字意译，泛指具有美学意义的绘画、雕刻、文学、音乐等,“五四”运动前后传入中国时，把文学、音乐除外，专指绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等在空间开展的、表态的、诉之于人们视觉的艺术形式。

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图5-2 周眆：簪花仕女图

从宽泛的概念出发，美术是以物质材料为媒介,塑造可观的、静止的，占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术，表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态，是利用一切造型手段创造出来的占据一定空间、具有可视形象以供欣赏的艺术的总和。

二、美术的分类

    美术的范围非常广泛，可以大体分成观赏性美术和实用性美术两种类型。

（一）从观赏性来讲，主要包括绘画和雕塑两大类。

1.绘画

绘画是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的美术形式。绘画种类繁多，从不同的角度可将它划分为不同的类别。

                      图5-3 顾恺之《洛神赋图》局部

从地域看，绘画可分为东方绘画和西洋绘画；从工具材料看，绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等；从题材内容看，绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等；从作品的形式看，绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。

其中，东方绘画与西洋绘画形式由于各自的历史传统不同，有着各自独特的表现形式与审美特征。东方绘画体系的主流是中国画，它在世界绘画领域中自                                      

成体系，独具特色。工具材料上，中国画是用毛笔、墨在宣纸、绢帛上作画的，它讲究笔墨，着眼于用笔墨造型。在画面的构成上，中国画讲究诗、书、画、印交相辉映，形成独特的形式美与内容美。

 

图5-4 南宋佚名《出水芙蓉图》（中国画）

西洋绘画的代表是油画，它是世界绘画艺术中最有影响的画种之一。在工具材料上，油画是用油质颜料在布、木板或厚纸板上画成的。在画面构成上，它讲究画面景物充实，按自然的秩序布满画面，呈现出自然的真实境界。

       

  图5-5  克拉姆斯科依《无名女郎》（油画）

2.雕塑

雕塑是雕、刻、塑三种制作方法的总称。

从制作工艺来分，分为雕和塑。雕是从完整而坚固的坯体上把多余部分删削、挖凿掉，如石雕、木雕、玉雕等，塑是用具有粘结性的材料联接、构成为所需要的形体，如泥塑、陶塑等。从题材来分，雕塑可分为纪念性雕塑、建筑装饰性雕塑、城市园林雕塑、宗教雕塑、陵墓雕塑、陈列性雕塑。从表现形式来分，雕塑可分为圆雕、浮雕。圆雕是不附在任何背景上，可从四面八方观赏的立体雕塑。浮雕是在平面上雕出凸起的艺术形象。透雕指界于圆雕和浮雕之间的一种雕塑形式，是在浮雕的基础上镂空其背景部分，又有单面雕和双面雕之分。

图5-6龙门石窟：卢舍那大佛

（二）实用性美术包括两大类：工艺美术和建筑。

1.工艺美术

目前，工艺美术包括了传统手工艺品、现代工业美术和商业美术三大部分。传统手工艺品如玉雕、象牙雕刻、漆器、金属工艺品等；现代工业美术（或称“工业设计”）包括一切为满足人民日益增长的物质生活和精神生活需要的适用而美观的生活用品，如花布、陶瓷、玻璃器皿、家具、地毯、家用电器等，以及现代化的交通工具和机械的造型和色彩设计；现代商业美术主要是指商品标志、包装装潢和商业广告等。

2.建筑

图5-7   北京奥运国家游泳中心水立方

建筑是一种非常具体的造型艺术,是建筑物和构筑物的统称。坚固、美观、适用，这是希腊古建筑家提出的建筑三个标准。

建筑艺术按照美的规律，运用建筑艺术独特的艺术语言，使建筑形象具有文化价值和审美价值，具有象征性和形式美，体现出民族性和时代感。

 

在现今当下，从古希腊就建立起来的美学图式被二十世纪的现代和后现代艺术思潮所消解，人们已经开始运用数码技术开创二十一世纪新的经典审美视觉。数码艺术创作融合了各种科学元素与艺术元素，派生出了摄影、动漫、影视等新数字媒体艺术。数码技术丰富了美术的创作思维，带给艺术家以更广阔和魔幻化的创作空间和创作灵感，这无疑是值得欣慰和肯定的。

图5-8 波洛克              

   图5-9 波洛克《整整五寻》

为美术分类是个难题，因为美术形式是一个多层次的、丰富的群体，是空间艺术，也是诉诸视觉的艺术，又同时有既诉诸听觉也诉诸视觉的时空艺术。美术的形式不是一成不变的，它们之间相互渗透、整合，有的在更新，以新的面貌出现，我们常说的雕塑是凝固的舞蹈，舞蹈是活动的雕塑，音乐是流动的建筑， 建筑是凝固的音乐，诗中有画，画中有诗，指的就是艺术形态的相联性和界线模糊性。

图5-10  蔡国强2008年奥运焰火《脚印》      

 

三、美术的作用

概括而言，美术的作用有三：认识作用、教育作用、审美作用。

1、认识作用。美术作品能够帮助人们深入地认识社会生活，认识“人”本身。侧重再现生活的美术作品，欣赏者可以通过作品认识到社会生活的某个侧面或某个特定时代的特征，从而扩大视野，认识自然，认识社会，感悟生活。侧重表现人的精神存在的美术作品，则以“人性”、“情感”、“精神”、“理念”等出发来创作和表现，欣赏者往往可以从中认识和体味到复杂“人性”的某个侧面，从而在精神和情感上产生新的感悟和认识。

2、审美作用。法国著名画家马蒂斯说，他所追求的“艺术就象一把能够消除疲劳的安乐椅……”^②，艺术能通过审美愉悦使观者达到一种精神上的放松与和谐，激发起从心灵到视觉的愉悦与共鸣，这就是所谓的美感。美术作品总是通过造型、色彩、构成、材质、肌理等方面的形式美感，来暗示和传递某种审美信息予观者。只有在形式美的基础上，作品的主题、思想等内容因素才能参与进来共同发挥作用。

3、教育作用。优秀的美术作品，总是能引起人们对社会、自然、人生的某种认同感。接触美术，能陶冶情操，修身养性；学习美术，能培养创造性思维，发掘创造潜能，实现人生价值；欣赏美术，能从自然、社会、人生中体味真、善、美，提高个人综合素养和品位，从而促进个体与社会的和谐发展与共存。

①高等艺术院校《艺术概论》编写组, 《艺术概论》,文化艺术出版社,第129—136页

②马蒂斯说：“我所梦寐以求的，乃是一种具有均衡性、纯粹性以及清澈性的艺术。这种艺术没有一切带有麻烦和令人沮丧的题材。它对于每一个劳心的工作者，无论是商人或作家，都能产生镇定的作用，既象是一服心灵的镇定剂，又象是一只能够恢复疲劳的安乐椅。”转引自邵大箴著《西方现代美术思潮》第295页

四、美术的应用

美术作品是艺术家表达思想和审美理想的一种方式。优秀的艺术作品，总是能使人们产生审美快感，达到精神愉悦。具体从每一种美术作品的应用而言，比如油画、水彩、中国画等绘画作品，可用于图书馆、会议厅、公园、广场等公共空间以及现代家庭的装饰，提升空间品位。平面设计、环境艺术设计、服装设计、动画设计等则广泛用于我们生活中常见到的广告、包装、书籍装帧、居室设计、生活装、舞台妆，乃至电影电视等。在教师职业的教育教学工作中，由于板书、课件、板报、手抄报、教学竞赛、班队社团活动等的需要，简笔画、装饰画、版式设计、美术字等，都有着十分广泛的用途。因此，美术应用技能已经成为衡量教师职业素质与修养的重要方面。

 

第二节 绘   画

一、绘画的含义与类别

绘画是一门运用线条、色彩、形体等艺术语言，通过构图、造型和设色等艺术手段，在二度空间（即平面）上塑造出三维静态的视觉形象的艺术。绘画是较早出现于人类生活中的艺术种类之一。绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。

词语解析：造型艺术 造型艺术是指以一定物质材料（如绘画用颜料、墨、绢、布、纸、木板等）和手段创造的可视的静态或动态的空间形象，通过塑造可视的静态或动态形象来表现社会生活和艺术家情感的艺术形式。这是按艺术作品使用的媒介材料和表现手段来对艺术形态进行的分类，将整个艺术区分为五大类别，即：实用艺术、造型艺术、表情艺术、综合艺术和语言艺术，其中造型艺术包括绘画、雕塑、摄影、书法等艺术形态。

绘画种类繁多，范围广泛。可根据不同的角度和标准来分类。从体系来划分，有东方绘画和西方绘画两类；从使用材料、工具和技法的不同来划分，有中国画、油画、版画、水彩画、水粉画、粉笔画、素描、速写等；从题材内容的不同来划分，有人物画、动物画、静物画、风景画、风俗画、历史画、宗教画等体裁。从作品形式的不同来划分，可分为宣传画、壁画、年画、漫画、连环画等。这些类型体裁还可以再细分。不同类别的绘画形式，由于各自的历史传统不同，都有着各自独特的表现形式与审美特征。在这里，我们主要介绍中国画和油画这两种东西方绘画的代表。

1、中国画

从美术史的角度讲，民国前的都统称为古画。国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。汉族传统绘画形式是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画种被称为“中国画”，简称“国画”。中国画按装裱形式分为手卷、挂轴、册页等，按表现特点又分为工笔画、写意画等，题材可分人物、山水、花鸟等。它在世界绘画领域中自成体系，独具特色，是东方绘画体系的主流。

中国画的特点表现在：

第一，在工具材料上，采用中国特制的毛笔、墨或颜料，在宣纸或绢帛上作画。因此，中国画又可称之为“水墨画”或“彩墨画”。中国画所使用的笔、墨、纸、砚、色等传统工具材料，经过不断改进完善，已达到高度的和谐完美的程度，传统材料工具的使用已经在中国延续数千年，其民族特色历久不衰。

第二，在构图方法上不受焦点透视的束缚，多采用可移动的远近法，使得视野宽广辽阔，构图灵活自由，画中的物象可以随意列置，冲破了时间与空间的局限。中国画营造的空间多种多样，但其中最主要的有三种，即：全景式空间、分段式空间和分层式空间。

第三，中国画熔诗、书、画、印为一炉，也是其它绘画所绝无仅有的。宋代以后，文人画的兴起，将诗书、题跋、篆刻引入画面，从而更加丰富了中国画表现形式的完美性。绘画与诗文、书法、篆刻四者有机地结合在一起，相互补充，交相辉映，形成了中国画独特的内容美和形式美。

第四，中国画的特点来源于中华民族悠久的传统文化和丰富的美学思想。中国画的传统画法有工笔画，也有写意画。前者用笔细致工整，结构严谨；后者笔墨简练，高度概括，洒脱地表现物象的形神和抒发作者的感情。不管是工笔画，还是写意画，在处理形神关系时都要求“神形兼备”，在造型和意境的表达上都要求“气韵生动”。中国画总体上的美学追求，不在于将物象画得逼真、肖似，而是通过笔墨情趣抒发胸臆、寄托情思。中国画追求的是诗的意境，空阔流动的画境，不受真情实景的制约，不受光源、透视、投影的约束，讲究以线界形，散点透视，以形写神，迁想妙得，“似与不似之间”。用浪漫的手法删繁就简，大胆提炼取舍，计白守黑，使人产生丰富的联想，产生‘意中有意，味外有味’的耐人寻味的艺术形象。

2、油画

油画起源并发展于欧洲，到近代成为世界性的重要画种。产生15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画是油画的前身。一般认为，15世纪初期的尼德兰画家扬·凡·艾克兄弟是油画技法的奠基人。他们在前人尝试用油溶解颜料的基础上，用亚麻油和核桃油作为调和剂作画，致使描绘时运笔流畅，颜料在画面上干燥的时间适中，易于作画过程中多次覆盖与修改，形成丰富的色彩层次和光泽度，干透后颜料附着力强，不易剥落和褪色。其技术很快在西欧其他国家传开，尤其在意大利的威尼斯得以迅速发展。

在工具材料上，油画的主要材料和工具有颜料、松节油、画笔、画刀、画布、上光油、外框等。油画是以用快干性的植物油（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）调和颜料，在亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。

在表现方法上，传统的油画家采用焦点透视法，讲究画面景物充实，按自然的秩序布满画面，呈现出自然的真实境界。古典油画中的市街、房屋、家具、器物等，形体都很正确，竟同真物一样。

在绘画形态上，油画分为具象写实绘画、意象写意绘画与抽象变形绘画等。

 

二、绘画的艺术语言

1、线条

    线条是构成绘画作品形象的一种基本语汇。

纵观世界艺术的历史发展，无论东西方绘画，一开始都用线条造型。从西班牙阿尔塔米拉洞窟壁画中的野牛到野兽派绘画中的轮廓，从中国敦煌壁画中的飞天到工笔白描中的勾勒，线条一直处于十分重要的地位。线条的审美意味与艺术功能是丰富多样的，不同的线条具有不同的性格，能传达不同的感受，线条的形成伴有速度、方向、长短、曲直、轻重、深浅、粗细、疏密、材质以及排列方式等变化因素，传递出或安静、或烦躁，或舒缓、或疯狂的状态或情绪，表现力极其丰富，这在东西方绘画作品中都可以找到范例。

在中国绘画艺术中，线条的功用表现得尤为突出。中国传统绘画在相当程度上是以富有骨气韵味的线条来取胜的。以线条作为最基本的造型手段的中国传统绘画，仅凭简练的线条就可创造出动人的艺术形象，如宋代著名的《朝元仙仗图》，或称《八十七神仙卷》（图5-11）。中国古代人物画的“十八描”，就是表现中国古代人物衣物褶纹而创造的用线方法。中国画不仅以线造型，而且赋予线条以一种内在生命力和个性特征，使线条具有一种独立于对象之外的审美价值。

图5-11    佚名《八十七神仙卷》 《八十七神仙卷》，这是一幅佚名的白描人物手卷，也是历代字画中最为经典的宗教画，尺幅为292×30厘米，绢本水墨。画上有87个神仙从天而降，列队行进，姿态丰盈而优美。潘天寿曾评论此画：“全以人物的衣袖飘带、衣纹皱褶、旌旗流苏等等的墨线，交错回旋达成一种和谐的意趣与行走的动，使人感到各种乐器都在发出一种和谐音乐，在空中悠扬一般。”大千观赏此卷后给予很高评价，认为与唐壁画同风，“非唐人不能为”。徐悲鸿还在画上加盖了“悲鸿生命”的印章。

西方绘画史上，也曾出现很多线描大师，如荷尔拜因、安格尔、马蒂斯等。早在文艺复兴时期，米开朗基罗就曾指出，只要凭借画出来的一条直线就能区分出画家的技艺。在运动变化中，当线条与色彩相融辉映时，也构成了绘画艺术独特的气势和神韵。英国画家威廉.布莱克所言：艺术品的好坏取决于线条。法国画家安格尔亦有同感，他把线条视为绘画艺术的基础，宣称线条就是素描，就是一切，即便是烟雾也必须用线条来表现。其1819年创作的速写作品《尼克洛·帕格尼尼肖像》（图5-12）仅用简略的线条将小提琴家帕格尼尼画得非常传神。现代艺术中的抽象绘画，也不能离开线条的运用。

 

 图5-12    安格尔《尼克洛·帕格尼尼肖像》

2、色彩

色彩是绘画作品的主要因素之一。康定斯基对于色彩的功能有着深刻独到的见解，认为每一种色彩都是一首独立优美的歌曲，令人心醉神迷。色彩直接影响心灵，可与观众建立情感上的联系，引起相互的共鸣，或一种震撼人类灵魂深处的喜悦。比如，蓝色给人以平和之感，绿色给人以宁静之感，黑色给人以沉寂之感，紫色给人以冷峭之感，白色给人以纯洁之感，朱红则如火焰般耀眼撩人，使人产生兴奋昂扬之情，柠檬黄在视觉上刺激强烈，让人情绪仓促不安。

现代主义油画家在19世纪科学技术，尤其是光学理论和实践的启发下，把捕捉物体的“光”和“色彩”作为艺术追求，他们在创作中大胆突破传统绘画模式和色彩观念，建立了一套新的色彩观和绘画表现手法。如印象派画家莫奈的《干草堆系列》（图5-13）、《卢昂大教堂系列》，忽视物象轮廓的写实，用光线河色彩来表现瞬间的印象，追求绘画色彩关系独立的美。受印象主义影响的画家以塞尚、梵·高、高更为代表的“后印象派”，其艺术探索已经超越了印象主义有限的光色表现，强烈的内心化和个性化是他们的共同特点。在技法上，反对分割色彩，采用平面的鲜明色调，重视形与构成形的线条、色块以及体、面。现代画家更强调色彩的表情特征，认为色彩本身就具有独立的意义，利用它可以抒写画家的主观感受，把色彩本身的审美价值提升到很高的地位。

图5-13    莫奈的《干草堆系列》

中国绘画更注重色彩的写意性，讲究“随类赋彩”，有“五墨”“六彩”之分。如沈周《东庄图》（图5-14）先以淡墨层层皴染，再施以浓墨逐层醒破。用墨浓淡相间，于满幅布局中有疏朗之感，实中有虚。墨色润雅而明净，色彩雅致。

图5-14    沈周《东庄图》

3、构图

绘画语汇中的构图是指作品中艺术形象的结构配置方法，根据特定主题的要求，在一定的空间，把个别或局部的形象适当地组织起来，构成一个协调的完整的绘画作品。在中国传统绘画中称为“章法”、“布局”或叫“经营位置”。

构图的基本原则讲究均衡与对称、对比与变化。均衡与对称是构图的基础，其作用是使画面具有稳定性。均衡与对称本不是一个概念，但两者具有内在的同一性——稳定。稳定感是人类在长期观察自然中形成的一种视觉习惯和审美观念。因此，凡符合这种审美观念的造型艺术才能产生美感，违背这个原则的，看起来就不舒服。

常见的构图形式有金字塔形构图、水平线构图、垂直线构图、倒三角形构图、对角线构图、S形构图、复合式构图、平衡式构图、对称式构图等。构图规律应用在很大程度上依赖于人的视觉经验，如金字塔形构图使人感到稳定，倒三角形构图则显示不安与动荡。不同的构图会表现出不同的审美意向和艺术氛围。

西方传统绘画注重真实再现，在构图方法上采用合乎科学规律的再现物象空间位置的焦点透视，表现出纵横、高低的立体效果；如达·芬奇的《最后的晚餐》（图5-15）采取的是焦点透视法，横向式构图，耶稣居中而坐，12门徒分列其两旁，神态各异，衬托出耶稣临死前的平静心态。

图5-15     达·芬奇《最后的晚餐》 《最后的晚餐》是意大利艺术家列奥纳多·达·芬奇所创作，是所有以这个题材创作的作品中最著名的一幅。尤其以构思巧妙，布局卓越，细部写实和严格的体面关系而引人入胜。构图时，他将画面展现于饭厅一端的整块墙面，厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结，使观者有身临其境之感。画面中的人物，其惊恐，愤怒，怀疑，剖白等神态，以及手势，眼神和行为，都刻画得精细入微、惟妙惟肖。这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合，与构图的多样统一效果互为补充，使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的作品。现藏米兰圣玛利亚德尔格契修道院。

中国传统绘画将构图称为“布局”和“章法”，被认为是“画之总要”，它不拘泥于特定的时间、空间，灵活处理，以多视点“观照全整的律动的大自然”，以“咫尺”写“千里”，起承转合，计白当黑。这种打破固定视点的散点透视法与西方焦点透视法截然不同。如北宋张择端的《清明上河图》。

4、质感

质感是指绘画艺术通过不同的表现手法，在作品中表现出各种物体所具有的特质，如丝绸、肌肤、水、石等物的轻重、软硬、糙滑等各种不同的质的特征，给予人们以真实感和美感。油画利用光影、色彩因素，通过不同的技法以及笔触肌理等手段，可以描绘出质感逼真的效果，如《葡萄》（图5-16）是中国当代画家冷军的作品，以超级写实主义的创作方法，逼近对象，葡萄质感晶莹而又剔透，充分展示出画家写实的功力。对物体表面肌理的表现与刻画是体现质感的重要方面。在油画中，画家常用稀薄的颜料、轻匀柔润的笔法渲染出缥缈的云天和明净的水面，而用浓重的颜料，重叠堆砌的笔触画出坚硬的岩石和厚实的土地。一些现代主义画家更是采用多种材质与技法的综合，使画面产生画笔难以描绘的质感与肌理效果，如德国表现主义画家基弗画作（图5-17）的外观看起来似乎经历过一场劫掠，大量厚厚的油彩和树脂、稻草、沙子、乳胶、废金属、照片和各种各样油腻的东西堆积在一起。焚烧过的土地的图象，让人联想起播种之前的烧荒——对新的生长的期待。

图5-16   冷军《葡萄》 

图5-17   安塞姆·基弗作品

词语解析：超现实主义 超写实主义又称超级写实主义、新现实主义和照相写实主义，源自并兴盛于美国，其后波及世界各地。60年代末至70年代，作为世界现代艺术的中心，美国艺坛出现了莱斯利、克洛斯(绘画)、安德烈、汉森(雕塑)等人，其作品的逼真程度让人如面对照片或真人。日益发达的科技和丰富的材料为这种风格的发展提供了便利的条件。

中国画运用笔墨表现物态质感，侧重于线条的力量感，如人物画中的十八描法、山水画中的各种皴法等。皴法中含有勾、皴、点、染、擦的基本笔法和浓、淡、干、湿、焦基本墨法。这些技法丰富了绘画对物象质感和肌理的表现手段，使作品中的材质因素成为一种审美元素。

 

 

第三节     雕  塑

雕塑、绘画和建筑等一起往往被归入视觉艺术，这种归类只是表明了一点：即眼睛是我们介入雕塑作品的主要感觉器官。2010年6月17日，北京环球金融中心开幕典礼暨巴黎卢浮宫博物馆《触·觉—卢浮宫雕塑触觉展》（图9-13）在京举行。22件精美的雕塑作品在北京环球金融中心内向公众展示了世界级艺术的魅力。本展览旨在呈现西方雕塑家力求表现的五种动态，并与东方雕塑中对动态的探索相对照。它们是：奋力、奔跑、舞蹈、飞翔与坠落，所有作品都反映出雕塑家对于平衡和姿态的追求。雕塑比其他艺术形态更多地把人们的目光引向手指，引向指尖的触摸。

 

         图5-20  《触·觉—卢浮宫雕塑触觉展》

一、雕塑的含义和类别

雕塑艺术，指用各种可塑材料（如石膏、树脂、粘土等）或可雕、可刻的硬质材料（如木材、石头、金属、玉块、玛瑙等），创造出具有一定空间的可视、可触的艺术形象，借以反映社会生活、表达艺术家的审美感受、审美情感、审美理想的艺术。

雕塑的分类，从使用材料来分，有木雕、骨雕、贝雕、石雕、漆雕、根雕、冰雕、铜雕、陶瓷雕塑、面塑、泥塑等；按功能不同来分，分为城市雕塑、纪念雕塑、宗教雕塑、陵墓雕塑、园林雕塑、主题雕塑、装饰雕塑、功能雕塑、陈列雕塑等。习惯上则按雕塑形式来分，有浮雕、圆雕、透雕三类。

1、圆雕

圆雕较常见，它的手法和形式多样，写实的、装饰的、具象的、抽象的、户外的、户内的都有；题材和内容也是丰富多彩，材质更多种多样，石质、木质、金属、泥料、纺织、纸张等均可选用。

2、浮雕

浮雕是雕塑与绘画的结合，它用压缩办法来处理对象，观者可看到它的一面或两面。浮雕有高浮雕和浅浮雕两种。由于浮雕依附在另一平面上，经过压缩，所占空间较小，因此适于多种环境的装饰布置。

3、透雕

浮雕因去掉底板而称为透雕，也称镂空雕。透雕类似民间剪纸，有正负空间，两者之间形成的轮廓线有一种互相转换的节奏，多用于门窗、栏杆、家具等物件上。

二、雕塑的艺术语言

雕塑的艺术语言和表现手段非常丰富，包括体形、体积、空间、材质、肌理等许多因素，正是它们共同构成了雕塑艺术的美。

1、体形

雕塑是由基本块体构成体形的，而各种不同块体具有不同性格。如圆柱体由于高度不同便具有了不同的性格特征：高瘦圆柱体向上、圆弱；高圆柱体挺拔、雄壮；矮圆柱体稳定、结实。卧式立方体的性格特征主要是由长度决定的，正方体刚劲、端庄；长方体稳定、平和。又如立三角有安定感，倒三角有倾危感，三角形顶端转向侧面则有前进感，高而窄的形体有险峻感，宽而平的形体则有平稳感。高明的雕塑师可以通过巧妙地运用具有不同性格的体块，就像画家运用色彩，音乐家运用音符一样，创造出雕塑物美而适宜的体形。

雕塑艺术的体形有具象形、抽象形和介于两者之间的意象形。米开朗基罗创作的《被缚的奴隶》（图5-21）是典型的具象形雕塑，奴隶如公牛一样健壮的身体呈螺旋形强烈地扭曲着，似乎正在力图挣脱身上的绳索，虽然双臂被反绑着，但全身的肌肉都紧绷着，让人感到那里蕴含着无比强大的反抗力量，相比之下，身上的绳索则显得那么脆弱无力，似乎仅仅成了装饰品。在这里，人的尊严得到了高度体现。法国雕塑家让·阿尔普的作品《云的牧人》（图5-22）是一件抽象作品，他通过流畅多变的线条与空间饱满的体积，传达一种静谧、恬然的抒情般的气息，他并不具体再现或描述什么，而把注意力集中在创造一种气氛，一种情调，一种感受，形成音乐般的效果。

 

  图5-21  米开朗基罗创作的《被缚的奴隶》        图5-22  让·阿尔普《云的牧人》 

2、体积

体积是指雕塑物在空间上的体积，包括雕塑的长度、宽度、高度。许多雕塑，庞大的体积都给人以强烈的审美感受和视觉冲击力。如果这些雕塑体型缩小，不仅减小了量，同时也影响了质，给人心灵的震撼和情绪上的感染必然也会减弱。雕塑给人的崇高正是由于雕塑特有的体积、形状所决定的。

澳大利亚雕塑家让·穆克的超写实雕塑（图5-23），我们在面对这些超写实雕塑时首先感受到的就是其体积的庞大，艺术家严格按照人体真实比例放大或缩小尺寸，这种非常规的尺寸首先给人一种视觉的新鲜感与陌生感。

图5-23    让·穆克 超写实雕塑     图5-24   罗丹《老妓欧米哀尔》

3、材质

雕塑材料不同，雕塑形式给人的质感就不同。石材雕塑的质感偏于生硬，给人以冷峻的审美感受；木材雕塑的质感偏于熟软，给人以温和的审美感受；金属材料的雕塑闪光发亮，颇富现代情趣；玻璃材料的雕塑通体透明，给人以晶莹剔透之美。所以，不同的材料质地给人以软硬、虚实、滑涩、韧脆、透明与浑浊等不同感觉，并影响着雕塑形式美的审美品格。雕塑的形式美首先表现在物质材料本身具有的天然形式美的因素上。如罗丹塑造的《老妓欧米哀尔》（图5-24）就是用青铜作为材料，增添了作品的沧桑、悲凉的意味。由于这些材料本身具有与作品意蕴相一致的审美特性，极大地提高了作品的感染力。

4、肌理

根据雕塑物的功能，使用适宜的雕塑材料，以造成特有的质感和独特的审美效果，这类成功之作很多。澳大利亚雕塑家让·穆克的超写实雕塑材质上多采用玻璃纤维树脂；这种材质适宜于制造超写实的肌理：皮肤的褶皱、毛孔等都能放大给人看；给人以一种视觉的震撼，真实到觉得恐怖，超写实给人提供的就是一种新的观看的方式，细节再细节。（图5-25）

 

图5-25    让·穆克 超写实雕塑