一、中世纪欧洲合唱

中世纪前期的西方音乐就是基督教音乐西方音乐，起源于古希腊。但是由于古希腊的音乐史料存留下来的极少，人们通常又把中世纪作为研究西方音乐的一个重要起点。

 中世纪指的是欧洲封建社会，大约从公元5世纪至14世纪。中世纪欧洲的各种音乐机构如编写、研究机构以及合唱队、学校等，全部隶属于教会，由神职人员管理。在中世纪的前期，西方音乐呈现出基督教音乐一花独放的局面。在这一时期，西方音乐是以教堂音乐为主要表现形式。

中世纪的合唱艺术主要分为两大类：一是宗教合 唱；二是世俗合唱。其中宗教合唱占有绝对主导地位与作用。世俗合唱则极为脆弱这里不作讨论。中世纪最主要的形式是格里高利圣咏也称素歌。

格里高利圣咏是罗马教皇一世格里高利亲自统筹汇编的一 套圣咏曲集。格里高利一世自公元6世纪加冕后，便组织全国各地的教会，收集流传于各地的不同形态的圣咏进行系统的整理与重新编订。这些圣咏包括散落于不同地区的具有地方特色的圣咏，如早期拜占廷 的赞美诗、法国高卢地区的圣咏。拜占廷时期最主要的音乐就是赞美诗，其中最具特色的形式称为康塔基昂，这些圣咏的内容均出自于圣经并极具东方色彩，尤其具有很强的伊斯兰风格，音乐极富诗意，用希腊语或阿拉伯语演唱。格里高利圣咏是一种全部用男声来演唱的无伴奏的单声部的合唱‚即没有和声也没有对位，歌词用拉丁文演唱，其旋律性格按字音结合 的不同方式，可划分为“音阶”式（一字一音）、“花唱” 式（一字多音）等旋律类型，无节奏形态‚演唱时根据歌词的韵律处理的较为松散，没有明显的节奏型重音，推测其歌词的重音就是音乐上的节奏重音。

对多声合唱音乐最早的、有文字记载的是公元9 世纪的一部名为《音乐手册》的书（佚名），其中提到两个不同的音同时响的现象，这实际上便是最早的复调音乐奥尔加农。

西方中世纪合唱发展至12～13世纪时，其形式有 了更进一步的变化。此时欧洲的合唱中心已不在意大利的罗马等地，而主要在法国的巴黎及中北部诸城市。由于有部分杰出的音乐家集中在巴黎圣母院大 教堂工作，经过他们长期的努力‚渐渐形成了西方最早的音乐流派－圣母院乐派。其主要代表人物为 莱奥南和佩罗坦。

莱奥南，为圣诞节而作的二声部奥尔加农，“天涯海角都已见证" Leonin: Organum Duplum, "Viderunt Omnes"(纽姆五线谱对照)

佩罗坦，为割礼节而作的四部奥尔加农，“天涯海角都已见证”

二、文艺复兴时期合唱

文艺复兴是盛行于14到16世纪的一场欧洲思想文化运动。文艺复兴首先在 意大利罗马及其周边各城市开始，随后扩展到欧洲各国，并且在16 世纪到达最高峰，被认为是一段科学技术的改革和艺术音乐的革命 时期，从此近代欧洲历史的序幕被揭开，同时也是是中古时代和近代的分界点。主要作曲家有：杜费、奥凯亥姆、依萨克、加布里埃尔、帕莱斯特里那、拉絮斯(拉索)、莫尔来、吉本斯等。

马肖，是西方新艺术音乐时期的最有影响力的人物之一。在 欧洲音乐史上，作品的完整保存度也是首屈一指的。马肖一生创造 的作品很多，有19部单声部或复调的游吟歌，42首叙述曲（复调作 品），22首复调回旋诗，33首单声部或复调的维勒莱，23首经文歌， 其中四声部的“圣母弥撒曲最为著名。因此这部作品是迄今为至人 们发现的最早将弥撒曲中的5个固定部分：慈悲经、荣耀经、信经、 圣哉经、羔羊经，作为一个整体出现在同一作品中的先例。

            【Machaut - 马肖】Messe de Notre Dame

杜费，创立了复调世俗的歌曲尚颂。在他的经文歌中，改变了 各声部各唱各的词唱法，做到了上两声部采用统一的拉丁语词，下 声部也不再采用固定节奏的经文歌而是用乐器旋律去替代。就这样 许多的弥撒曲都创自于他的手中，例如《玫瑰在近日开放》等代表作。正是在这些弥撒曲的创作中，杜费奠定了合唱四声部的方式。

Guillaume Dufay - Nuper rosarum flores (Best version)最近玫瑰开放 杜费

拉索，佛兰德乐派的代表人物，他留下来的作品多达2000多 首。其中有57首大型弥撒曲(多数无伴奏)，大部分使用民间的曲 调，色彩浓厚绮丽，并且富于戏剧性。并且拉索还作有1200余首经 文歌，歌集《音乐巨著》收录了其中516首。他创作了大量的的世俗 音乐例如牧歌、村歌、法国歌谣曲、德国歌曲，世态风俗的场景都 在其中被充分地表现出来。生活中的常用音调是他善于利用的，通 过音色和音量层次的变化，从而形成非常独特的音响效果。

                               拉索 《早安，我的心上人》

帕莱斯特里那，在他的一生中，创作了大量的宗教牧歌经文 歌、弥撒曲、及其它许多礼仪音乐，这些作品中最为突出的是以弥 撒曲。旋律线条十分流畅是帕莱斯特里那音乐的一大特色，采用多 声部相互配合衬托的音响丰富而美妙。首先创立的专业创作中的无 伴奏合唱形式，之后传承这一特色的人们把具有威尼斯风格的分组 合唱以及罗马风格的无伴奏合唱相结合，从而产生了相互交错呼应 的合唱效果，使音乐听起来宏大磅礴，更是开启了巴罗克时期新型演唱风格的大门，使之后的音乐创作都受到了极大的影响。

                        【帕莱斯特里那】Nunc dimittis

三、巴洛克时期合唱

巴洛克（baroque）来自 葡萄牙语 baroco，指的是形状奇特的珍珠，最初是用于 17 世纪的意大利建筑。巴洛克时代的音乐均衡、伟大而富有魅力，与此同时， 合唱也很迅速地发展。

1597 年，欧洲歌剧诞生了。其标志性的代表作，就是田园剧《达 芙妮》。这是由里努契尼和佩利合作的歌剧。随之而来的是，合唱 在歌剧中受到了重视。17 世纪，蒙特威尔第作为该时期最重要的歌 剧作曲家，作有《奥菲欧》等歌剧，为早期意大利正歌剧作出了巨 大贡献。17 世纪末到 18 世纪初的作曲家代表有吕利和拉莫。并且， 英国和法国歌剧的兴起与繁盛，促进了合唱的兴盛局面。伴随着歌剧 的发展，欧洲出现了许多声乐体裁，如：清唱剧、康塔塔、受难乐等。 主要作曲家有：加布里埃利、佩吕、蒙特威尔第、许茨、普赛尔、斯卡拉蒂、维瓦尔第、巴赫、亨德尔、佩戈莱西等。

（一）清唱剧 

清唱剧开始于 16 世纪的罗马，包含了重唱、独唱、合唱等。清 唱剧又称为“神剧”，是宗教性的大型声乐套曲。17 世纪中期，清 唱剧广泛兴起，歌词多采用拉丁文。后来出现了用意大利文创作的 清唱剧，又称通俗清唱剧。清唱剧没有表演和布景，合唱在其中的 作用是用来渲染故事情节，大多以《圣经》为题材基础加以创作。 巴洛克早期的清唱剧可以认为有两类：一类是使用拉丁文；一 类是使用意大利文（又称“通俗清唱剧”）。 巴洛克中期的清唱剧创作进入发展与成熟期。最重要的作曲家 是被誉为“清唱剧之父”的卡里西米，代表作为《耶塔》。合唱 以应答的方式重复旋律，有时采用二重合唱或三重合唱的写法。 巴洛克晚期的清唱剧创作可谓是走向了前所未有的顶峰。这一 时期最重要的作曲家则是亨德尔和巴赫。亨德尔的清唱剧，一般是 把《圣经》内容当作创作基础。其代表作有《弥赛亚》和《参孙》。 与此同时，《马太受难曲》和《约翰受难曲》也是非常杰出的作品， 作曲家则是大名鼎鼎的巴赫。

（二）康塔塔 

康塔塔于 17 世纪初诞生在意大利。它的初期形式从卡契尼等人 的单声部歌曲演变而来。17 世纪，意大利作曲家、音乐家们大都热 衷于创作康塔塔这一声乐体裁。17 世纪后半叶的康塔塔已被定型。 其音乐模式是由宣叙调、咏叹调、二重唱与合唱构成。康塔塔创作 的内容可以为宗教题材或世俗题材。 最初的康塔塔是一种专门为独唱和以通奏低音为基础创作的歌 曲。17 世纪后期，康塔塔与之前有了一些改变：其构成部分大多是 返始咏叹调，可以是两首，也可以是三首。这成为 18 世纪世俗康塔 塔的标准形式。18 世纪时期，康塔塔的代表作曲家有斯卡拉第、亨德尔。并且，康塔塔发展成为更适合剧院演出的音乐。 

（三）受难曲 

受难曲的内容是以耶稣受难故事为基础而谱写的一种音乐体裁。14世纪的受难曲也叫素歌受难曲。15 世纪，受难曲中的合唱部分运用了经文歌中的的复调手法， 起到了很好的效果。16 世纪，作曲家们的创作大多以素歌的素材作 为定旋律。歌词采用拉丁文。17 世纪形成了与清唱剧形式相似的受 难曲。它以数字低音伴奏的宣叙调作为基础创作。用乐队伴奏，由 合唱队演唱开头和结尾。著名作曲家舒茨的创作采用意大利的宣叙 调，与古老的素歌有相似之处，令人感受到古老的圣咏音乐风格。

四、古典主义时期合唱

古典时期一般是指1750年到1820年，这一时期欧洲工业革命与 科学技术的一系列的重要发明，促使西方文明向前推进，出现了很多 文艺思潮和文化运动。例如“罗可可”、”启蒙运动”、”狂飙突 进”等。当时的艺术、音乐都受法国资产阶级革命的影响都呈现出一 种新的面貌和风格。作为新兴阶层的代表，他们提出“自由、平等、 博爱”的口号。在这种思想的推动下，音乐更多是面向生活，表现了 普通人的情绪和愿望。“罗可可的风格”来自于装饰艺术中的典雅精 致、轻盈飘逸的描述。引用到音乐艺术中是将庄重的装饰变成纤巧的 精雕细刻，他抛弃了巴洛克时期艺术的宏大风格。将夸张的豪言壮语 变成窃窃私语，从复调音乐变成主调音乐。罗可可的艺术风格更符合 宫廷贵族的审美情趣。曼海母乐派及北德乐派反映出中层社会所普遍 具有的那种不满现状，倡导表现个性的资产阶级情绪，启蒙运动的初 期时代有妥协和改良的倾向，而“狂飙突进” 有了进一步发展。当时 的艺术领域包括音乐都受其影响。曼海姆乐派为古典时期开辟了道路。真正的顶峰是维也纳古典乐派，这个乐派的代表人物是海顿、莫扎特和贝多芬。海顿用通俗易摸的音乐语言和巧妙的作曲技法，为大型器乐曲奠定了结构基础，被称为交响乐之父。莫扎特表现了真挚、明快、乐观的精神面貌，表现了对光明、幸福的追求，晚期作品出现戏剧性的对比冲突，歌颂平民而批判贵族。贝多芬的作品更富于矛盾冲突，充分表现招架不合理社会制度的顽强个性；其作品曲式结构周密，音乐内省而深邃，包括着深刻的哲理，他斗胆冲破传统，在作品中反映资产阶级上升期进步的思想实质——通过斗争取告捷利，这个主题直到今天仍然鼓励着万万听众。贝多芬把合唱植入了他的被誉为交响乐的顶峰的《第九交响曲》。从流派的特点来讲，古典乐派的主要贡献在于巩固器乐样式、文体及曲式，巩固主调音乐功能及和声体系，他们继承了文艺振兴和巴洛克时期的音乐传统，又大大推动了西方音乐的发展，成为西方音乐卓绝的传统的集中代表。

主要作曲家：格鲁克、海顿、莫扎特、凯鲁比尼、贝多芬等。

五、浪漫主义时期合唱
      浪漫时期1789年法国大革命摧毁封建统治，作曲家已不受雇佣 者的约束，按自己的愿望来写作，打开思想的枷锁，注入自己丰富感 情，体现个性。有的人脱离现实，不时的出现了某些不实际的作品。 合唱和乐队和歌剧整合成大型的音乐作品，世俗性合唱作品增多。浪 漫时期作品强调色调的变化及其结构，强调个性，使作者的主观成分 增多，为寻求色调的变化极力使力度和速度的进行强烈对比。强调了 半音的作用，出现了不少增减和弦，使其色调更丰富。这时期的音乐 一般都有标题，所有的作曲技术都围绕标题来展现，大多是采用的主 调音乐，浪漫时期的节奏和节拍是不太频繁变换拍子记号的，有时不 改变拍子记号的情况下，在作品内部变换拍子，这和切分法改变轻重 音是不同的，在作品中，在同一旋律上做微小时值变动便可以表现出 不同的内容，寻求变化，感情色彩也有改变，这细小变化体现作者意 图。指挥者应通过细节体会意图并且表现出来。

浪漫时期的合唱作品打破了古典时期对速度的要求，自由的运 用比较多见，只要依据作品的内容情趣合理的运用，就不会出什么大 错。作为一个指挥着诠释一首作品演唱的速度是作品内容所决定的。 此时分两派，一派以李斯特与瓦格纳为代表，追求浓烈的浪漫色彩， 自由的速度来舒展旋律，另一派一门德尔松为代表，主张保持一定的 平稳速度，避免过分夸张的速度。主要作曲家有：舒伯特、柏辽兹、罗西尼、格林卡、门德尔松、舒曼、李斯特、瓦格纳、威尔第、古诺、奥芬巴赫、弗兰克、布鲁克纳、勃拉姆斯、圣—桑、比才、柴可夫斯基、德沃夏克、苏利文、格里格、西贝柳斯、塔涅耶夫、埃尔加、马勒、理查·施特劳斯、莱格、拉赫蚂尼诺夫等等。

                             瓦格纳：朝圣者合唱 (选自歌剧「唐豪瑟」

                  威兹巴赫少年合唱团     门德尔松Jauchzet dem Herrn, alle Welt

五、二十世纪合唱

现代音乐反映了咱们星球上人类复杂的精神面貌和历史文化，对于各类现代哲学、美学和文艺思潮的兴衰变幻，史家们在分期分类上有各类不同观点。音乐上更是流派纷呈，一方面古典和浪漫的传统继续发展，派生出不同的或相反的分支，另一方面又不断出现独树一帜的新派别，彼此交叉影响，至今还在演变当中几乎无法详细归纳说明。这里只是以两次世界大战为界限，分三个阶段介绍一些最重要的流派和其发展脉络。

第一次世界大战前，后期浪漫派发展演变而出现了两个主流派别：

1．印象主义——这是与浪漫派相对抗的反动，反对浪漫派那种基于个性和情感的表现意识，而强调瞬时感官刺激的感受，表现朦胧、飘忽的意趣，追求新颖的音乐效果，故意冲破传统规范，破坏传统的逻辑性，实际上是一种音响的象征主义。首席代表人物德彪西，他将自己的主观感受转化成朦胧、空想、带有神秘色彩的音乐作品，旋律、和声、节拍等一概不据理性安排，凭借随意的情感和情绪，在技法上有许多新的尝试。他的作品手法精练，缺乏明晰的节拍和紧张度，速度以中慢为主，力度比较温和，常采用彼此并无功能关系的色彩性转变和弦，利用中古世纪的调式、全音阶和五声音阶，为的是显示特有的色彩效果。演唱印象派作品时不能有过度的强拍，有人说应该有一种“悬在空中”的感觉。这一流派的其他成员如拉威尔、杜卡、沃恩·威廉斯等人，并非完全跟从德彪西，各自有不同的发展。

2．表现主义——与印象派反其道而行之，是后期浪漫派的深化，强调表现主观情感，表现自我矛盾、冲突、恐惧、忧愁之类比较极端的感受。音乐上的特征是紧张、强烈、尖锐，节拍复杂，变速频繁突然，打破拍率的强弱规律，用记号来标明重音所在，强弱对比达到极限。表现主义在绘画上为了表现的目的将现实中的描述对象加以变形处置，音乐也再也不遵循传统而采用“革命技法”，这个派别的典型代表是十二音体系，它由勋伯格为首从后期浪漫派的“调性崩溃论”观点动身，开创无调性乐派而形成。除否定调性之外，表现主义采用极不对称的节拍和为所欲为的自由曲式，旋律中常出现无规律的大跳进行，作品中利用极端的音区和大量不解决的不协和和弦，使力度、密度和音色转变超级强烈，达到尖锐、刺激、怪诞的效果，有高度紧张感和强烈的心理刺激作用。所选择的题材也是抽象和病态的，可以明显感到弗洛伊德心理学和尼采“超人”哲学的影响。这个流派的自我主义使他们的作品离开了公众的审美习惯，其曲和者甚寡。

第一次世界大战后，意大利首先出现了未来派，首先把音乐扩展到噪音范围，企图反映工业化时期的特点，其他欧洲国家也出现过类似思潮，还有利用微分音进行创作的，如二十四律等，但都没能形成重要流派。这段时期音乐发展的动态主要有下面几个方面：

1．民族乐派的发展——如巴托克、柯达伊、埃尔加等人，充分利用本民族音乐的特色，承袭浪漫派的传统，吸收印象派和表现主义的技法来进行创作。这段时期的苏联音乐也独树一帜，俄罗斯民族乐派取得继承和发展，如格里埃尔、哈恰图良、肖斯塔柯维奇、普罗柯菲耶夫等人，作品很多，手法现代，苏联的合唱作品及合唱活动也十分繁荣。

2. 新古典主义、——用古典主义精神来抵制泛滥成灾的印象派和浪漫派，追求情感和形式的平衡，力求技法完美，结构工整，避免非音乐因素的干扰，以为技能应在情感之上，他们祟尚学术上的高水准，贬低题目音乐。新古典主义的作品节拍鲜况线条清楚，对演出有较高的情绪要求，旋律比较有棱角，节拍多变，不协和和弦用得很多，也重视复调写作，总地说来，这个流派相对理性化，有点冷漠，他们的作品理瑜并见。代表人物有斯特拉文斯基、亨德米特、“法国六入团”等。

3．新浪漫主义——继续在浪漫派的道路上发展，追求情感和温暖，采用饱满而带有抒情义味的和声，他们避免和声、节拍的复杂化，只在高潮和情绪十分激动的地方才利用不协和和弦，他们的作品有丰硕的音响转变、不断的高潮，虽然不必然宏大深刻，却动人悦耳，很受音乐爱好者的欢迎，他们的合唱作品也特别多。代表人物有托赫、奥尔夫、汉森、瓦尔顿、克荣斯顿…巴比尔等。

第二次世界大战以后．西方音乐发展的特征是两个极端，一方面是进一步理性化，由十二音体系发展到序列音乐，除在音高的顺序上运用数学排列组合追求逻辑性，还力求在声音强度、节拍、密度、和弦等方面都达到序列化。于是作曲成为运算，终于求助计算机和电子合成器。作曲家有梅西安、斯托克豪森、布列兹等。另一个极端是反理性的，有具体音乐、偶然音乐、电辅音乐、点描音乐等：这些音乐有的运用录音技术中的变速、倒放、重叠等方式人为地制造各式音响组合；有的利用生活中实录的音响作为素材，结合常规和超级规地利用乐器，夸大随机即兴性的演奏演唱；还有的用高技术发明特有的声源。总之，为了追求新的音色和效果，五花八门．无奇不有，这种带有极强实验性的先锋派音乐的发展是难以预料的。