第二节  艺术发展的客观规律

艺术的发展是有规律的，探讨艺术发展的规律是艺术理论的重要任务。绝大多数艺术理论家认为应当从两个方面探讨艺术的发展规律：

  第一，揭示艺术发展的客观过程，阐述艺术发展的昨天、今天与明天之间的联系，这就是艺术发展的模式。第二，探究艺术发展的原因，阐释艺术作品与社会发展原因的关系，这就是艺术发展的动力。

一、历史上对艺术发展规律的研究

     （一）艺术发展的模式论

对艺术发展模式的探讨，主要有以下几种观点：

 第一，认为“草创-繁荣-衰亡”是艺术发展的必然规律。

“初创-高潮-衰败”是艺术发展的一般规律，古今中外，一切艺术概莫能外。

 艺术发展的全过程就是“初创-繁荣-衰败”的过程。这种观点所阐述的艺术发展的 “客观规律”不可避免的带有主观性，任何时代的艺术风格都是多种多样的，既有占主导地位的艺术风格，也有非主导地位的艺术风格，而艺术发展的这种模式仅仅反映占主导地位的艺术风格，因而不可避免地带有片面性。

  第二，认为“否定之否定”是艺术发展的必然规律。

  否定之否定是德国哲学家黑格尔哲学体系中一个重要范畴。黑格尔认为，世界是由绝对观念决定的，绝对观念的运动遵循否定之否定的规律，世界的运动也遵循着否定之否定的规律，艺术的运动必然遵循着肯定-否定-否定之否定的规律，它的具体表现形式就是象征型-古典型-浪漫型的发展过程。这个过程就是艺术内部精神因素与物质因素由对立到同一的过程，也就是物质因素逐渐下降，精神因素逐渐上升的过程。

 象征型艺术是艺术发展的第一阶段。此时理念还找不到表现自身的合适的感性形象，因而显现理念时采用模糊抽象的象征形象，如埃及的金字塔，印度、波斯的巨大神庙，这种艺术以巨大离奇的物质形式著称。它给人的印象不是内容与形式的和谐的美，而是巨大的物质压倒心灵的崇高风格。

        古典型是艺术发展的第二阶段，它克服了象征艺术“双重的缺陷”：形象的不完善及意义的抽象性，精神内容与物质形式达到了完满的契合一致。古典艺术的典型代表是古希腊雕刻。

        浪漫型是艺术发展的第三阶段。黑格尔这里所说的浪漫型艺术是指从中世纪到19世纪初期各种艺术的总和。

  三者的根本区别就在于：象征型艺术是物质溢出精神，古典型艺术是物质与精神一致，而浪漫型艺术则是精神溢出物质。在黑格尔看来，艺术的发展是一个否定之否定的过程：象征型艺术（物质与精神失调）-古典型艺术（物质与精神一致）-浪漫型艺术（在更高的基础上物质与精神的失调）。

    黑格尔的巨大功绩就在于他把艺术看作是一个运动、变化、发展的过程，并力图揭示运动的内在规律。但是，他把艺术发展的动力归之于神秘的绝对观念，又把丰富多彩、错综复杂的艺术现象归之于三种类型。按照他的模式，最后浪漫型艺术也要被否定，从而导致艺术本身的灭亡，这种唯心主义的假想不可能科学地揭示艺术发展的客观规律。

   第三，认为“两极之间的变化”是艺术发展的必然规律。

  19世纪奥地利艺术史家里格尔认为，艺术发展的规律是“两极对立之间的变化”。这对立的两极就是“视觉的”与“触觉的”，艺术的发展过程就是在对立两极之间的变化过程。从希腊艺术到罗马艺术，从文艺复兴到巴洛克艺术的过程，就是从“触觉的”向“视觉的”转换的过程。从印象派到后印象派的过程，就是从“视觉的”向“触觉的”转换的过程。这种转换，既不是前进，也不是倒退，只是变化而已。

      （二）艺术发展的动力论

  关于这个问题，在历史上比较有影响的是人性论的观点。

   人性论是随文艺复兴而产生的一种唯心主义历史观，也是一个时代的艺术哲学，认为艺术发展的终极原因是人的本性。

   人的本性在一定限度内是变动的，它像人的生命一样，经历了童年、青年、壮年、老年这几个阶段，这也决定了艺术经历了童年草创期、青壮年高峰期、老年衰落期这几个阶段。

    丹纳在《艺术哲学》一书中解释艺术，探求艺术发展的原因时说，艺术是由时代精神和风俗所决定的，时代精神和风俗又是由环境所决定的，环境又是由种族所决定的（这里所说的“种族”就是“以人种形式出现的人的本性”）。丹纳用这个理论具体分析了文艺复兴的艺术：意大利文艺复兴的艺术是由文艺复兴时代的精神和风俗所决定的，文艺复兴时代的精神和风俗是由意大利文艺复兴的环境所决定的，意大利文艺复兴的环境是由意大利人的本性所决定的。按丹纳的逻辑：人性，是艺术的终极原因，是艺术的“永久的本能”和“永恒的冲动”。这样，就有丹纳无法回答的难题：意大利人的本性是不变的，为什么文艺复兴的环境不早出现五百年或再延续五百年呢？普列汉诺夫依据唯物史观纠正了丹纳人性论的偏颇：“任何一个民族的艺术都是由它的心理所决定的；它的心理是由它的境况所造成的，而它的境况归根到底是受它的生产力状况和它的生产关系制约的。”

二、艺术发展的他律性

 艺术发展的规律就是艺术发展的本质的、必然的、稳定的联系。艺术发展的他律性，就是指在艺术发展的过程中，艺术与其他事物如经济、政治、道德、宗教、哲学等等的本质的、必然的、稳定的联系，也就是揭示艺术的外因是怎样制约和推动着艺术的发展。

（一）经济是艺术发展的决定力量和终极原因

        艺术发展的“终极原因和伟大动力”是社会经济的发展。这是艺术发展的必然规律。

        1. 经济决定艺术的发生。

        任何艺术的发生，都以经济的一定发展为前提。经济创造了艺术发生的条件，经济创造了艺术发生的动因，经济甚至决定了艺术的内容与形式。

       2. 经济决定艺术的性质。

       由于人们对生产资料的占有关系不同，在生产关系中地位不同，有人占据着统治阶级地位，有人处于被统治阶级的地位。因而必然有表现统治阶级思想感情的艺术，也有表现被统治阶级思想感情的艺术。经济决定了艺术的不同性质。思想在社会中的性质是经济决定的，艺术在社会中的性质也是经济决定的。

在原始社会末期，随着生产力的发展，没有剥削、没有阶级、没有压迫、没有流血的原始共产主义社会结束了，与之相适应，陶器上轻松活泼、稚拙纯朴、和谐自然的纹饰也随之消失。

        3. 经济决定艺术的发展。

        艺术是发展的，推动艺术发展的决定力量是经济的发展。经济决定艺术的发展规律还有另一方面内容，即经济的繁荣带来艺术发展的鼎盛。经济繁荣是动因，艺术鼎盛是结果。

        4. 艺术与经济发展的不平衡性。

        艺术发展与经济发展的不平衡性表现在以下几个方面：

       首先，对历史发展不同时代做纵向比较，艺术与经济的发展具有不平衡性。今天的经济发展水平高于希腊时期的经济发展水平，但今天的艺术未必高于希腊艺术。同样道理，在过去并不发达的经济基础上所产生的周彝夏鼎、秦砖汉瓦、唐诗宋词，今天仍然具有迷人的魅力。

        其次，对同一时代不同地区、国家横向比较，艺术与经济的发展具有不平衡性。在18世纪，经济上发达的国家是英国和法国，而德国的经济却是“一切都烂透了”，“国内的手工业、商业、工业和农业极度凋敝”，但在这种经济基础上，“却出现了歌德、席勒这样世界文学史上的伟大诗人”。在19世纪，经济上发达的国家是美国，俄罗斯的经济却在旧的封建农奴制瓦解的动荡过程中止步不前，但是他的文学艺术却迎来了百花争艳、光辉灿烂的伟大时代。列夫托尔斯泰“不仅创作了无与伦比的俄国生活的图画，而且创作了世界文学中第一流的作品”；俄罗斯最伟大的歌剧改革者和抒情诗人柴可夫斯基使俄罗斯音乐达到了世界一流水平；列兵、苏里科夫和巡回画派使俄罗斯美术创作达到了它的顶峰。

 再次，对艺术内部不同艺术种类做比较，艺术与经济的发展具有不平衡性。一个时代，一个国家和地区，它的经济发展状况像艺术的土壤，在这片土壤上开放出多种艺术门类的花朵，但往往只有一个艺术门类达到了鼎盛时代，开出最绚丽的艺术之花。从不同的时代看，中国的史前时代的陶器，夏商周的青铜器，汉赋唐诗，宋词元曲，明清小说；外国的古希腊的雕塑，中世纪的哥特式建筑，文艺复兴时代的绘画，都曾是达到鼎盛的艺术门类。而不同的国家和地区，往往也会有不同的特点。

        以上三个方面从不同角度体现了艺术与经济发展不平衡的原理。从中似乎看到：在经济繁荣的时代，艺术出现了衰落；在经济衰落的时代，艺术出现了繁荣。

当奴隶制的生产关系确立之后，一个充满了剥削、压迫、流血的社会产生了，与此相适应，青铜器上狞厉恐怖的饕餮纹张开了它吃人的大口。

        艺术与经济发展不平衡原理没有否定经济对艺术的决定作用。坚持经济对艺术的最终决定作用，从而与唯心史观划清界限；坚持艺术与经济发展的不平衡原理，从而与庸俗经济决定论划清界限。

       （二）政治对艺术的发展具有直接的，重大的，深刻的影响。

        经济是艺术发展的根本动力。但经济并不是艺术发展的唯一动力。影响艺术发展的还有政治、宗教、哲学、道德等等。

        关于政治在艺术发展中的作用，有两种错误观点：

        第一，认为“政治是艺术发展的根本动力，政治决定艺术”。这种观点的错误是：首先，从理论分析上说，把艺术发展的根本动力归结为政治，也就是归结为思想关系，从而否定“艺术发展的根本动力是经济”的历史唯物主义观点，误入历史唯心主义。其次，从实践检验来看，政治不能决定艺术。 被政治贬斥的艺术作品的生命力未必短暂，被政治所推崇的艺术作品的生命力未必永恒。柯勒惠支的反映1884年西里西亚纺织工人起义的版画《纺织工人》展出，曾被提议授金奖，但遭德皇否决，希特勒将其宣布为“颓废艺术”，但是，柯勒惠支的艺术并未因政治的排斥而失去艺术魅力。

柯勒惠支   版画《纺织工人》局部

        第二，认为“政治不是艺术发展的任何动力，政治与艺术无关”。这个观点的错误是：不管艺术家本人的主观意愿如何，“为艺术而艺术”只能是一个不切实际的幻想。19世纪法国现实主义画家米勒曾说“一个搞艺术的人干预政治是不明智的。”但其画作中描绘的衣衫褴褛的劳动者就是对上层社会无言的抗争。

米勒   油画《拾穗者》

柯勒惠支   版画《纺织工人》局部

        政治是经济的集中表现，是整个上层建筑的核心，政治要求艺术为自己服务，用物质的、精神的力量去达到自己的目的。这是一个不可否认的客观事实。

        政治与艺术的关系，是相互影响的关系，政治影响艺术，艺术也影响政治。当然两种影响的力量是不平衡的。政治对艺术的影响是直接的，重大的，深刻的。

        1、政治对艺术的影响是直接的，因为在上层建筑内部政治与艺术的联系是直接的，艺术像晴雨表一样灵敏地对政治做出反映；

        2、政治对艺术的影响又是重大的，因为政治集中代表了统治阶级的利益，它拥有占统治地位的精神力量和强大的物质力量。因此，政治既可以成为强大的动力促进艺术的繁荣，也可以成为巨大的阻力导致艺术的衰败。

柯勒惠支《母亲》

       （三）宗教对艺术发展的影响：

        在人类历史的发展过程中，宗教与艺术像携手并进的孪生兄弟。在原始社会，原始宗教与原始艺术是混沌未分的混合体。在阶级社会，宗教与艺术虽然在分道扬镳的短暂时刻，更多地是相互渗透、共存共荣。

        以致黑格尔说，最接近艺术的就是宗教。

        1. 宗教阻碍艺术的发展

        从根本上说，宗教是对艺术的否定。宗教之所以否定艺术，因为宗教与艺术确实存在根本对立的方面：

      （1）宗教是对社会生活的扭曲的反映；艺术是对社会生活的真实的反映。

      （2）宗教要求对彼岸世界的心灵感悟；艺术要求对现实世界和世俗感情的形象表现。

      （3）宗教的对象是神，是人的本质力量的异化，人们在神面前感到自己很渺小；艺术的对象是全面的社会生活，是人的本质力量的对象化，人们在艺术面前感到自己的力量、智慧和美。

      （4）宗教是麻醉人民的鸦片，劝人到彼岸世界去寻求精神的慰藉，它是对人的心灵的麻痹；艺术是生活的教科书，鼓舞人们在现实生活中去实现自己的自由创造的本质，它是对人心灵的净化。

      （5）宗教相信自己创造的神的存在；艺术不相信自己创造的对象的真实存在。

        2. 宗教促进艺术的发展

        这是宗教影响艺术的另一个方面，因为宗教与艺术确实有很多共同点：

      （1）宗教与艺术都是对社会生活的形象的反映。 尽管神的形象是虚幻的，但它不是凭空产生的，而是对社会生活的抽象。

      （2）艺术与宗教都蕴含了感情与幻想的成分。宗教不仅要相信作为人们幻想产物的超自然实体即神灵的真实存在，而且对这些超自然实体抱有强烈的情感，不是恐惧与虔诚，就是赞美与欢欣。宗教与艺术一样，不仅有强烈的情感，而且把这种精神追求置于眼前物质利益追求之上。

      （3）艺术与宗教都是对社会生活的全面反映。

      （4）艺术与宗教都能使人的精神得到抚慰，产生愉悦与希望。

        根据以上理由可以看出，宗教推动艺术的发展，不是偶然的，是必然的。宗教推动艺术的发展表现在：

      （1）宗教促使艺术破除教义的局限束缚从而得到发展。

      （2）宗教为艺术提供题材。

      （3）宗教往往是艺术生产的组织者。

     （四）道德给艺术的发展以巨大的影响：

        道德与艺术既不是绝对对立的，也不是完全的同一的，它们既有本质的区别，又相互影响。道德和宗教一样，同时是艺术发展的动力或阻力。

        当艺术作品表现进步的道德准则的高尚的理想情操时，往往产生持久的，强烈的艺术感染力，促进艺术的发展。无数事实证明，崇高的、进步的道德准则是艺术发展的强大动力。落后的，腐朽的，丑恶的道德准则会阻碍艺术的健康发展。

      （五）哲学对艺术发展的影响：

        艺术与哲学本质的不同：

        第一，它们在精神世界中的地位不同：艺术是感性的最高形式；哲学是理性的最好形式。

        第二，反映社会生活的方式不同：艺术用形象反映社会生活；哲学用最一般的范畴和逻辑体系反映社会生活。

        第三，反作用于社会生活的方式不同：艺术以情感人，通过情感的感染影响人的行动进而影响社会生活；哲学以理服人，通过方法论影响社会生活。

       哲学如何影响艺术的发展：

      （1）哲学通过美学的中介影响艺术的发展。

      （2）哲学通过创作方法的中介影响艺术的发展：

        首先，哲学思想决定艺术创作的方法。从根本上说，艺术的创作方法来自艺术思想，艺术创作方法就是艺术思想在创作中的体现。艺术从根本上说，又来自哲学思想，艺术思想就是哲学思想在艺术领域中的具体体现。唯物主义的哲学思想运用于艺术领域就会产生艺术是社会生活反映的艺术思想，这种艺术思想运用于艺术领域就会产生“艺术不是也不可能是再现性的，艺术是情感的表现”的艺术思想，这种艺术思想必然产生西方形形色色的艺术创作方法。创作方法的不同就会产生不同的艺术作品。

        其次，哲学思想决定艺术创作方法的选择与改变。

        最后，哲学思想的矛盾决定艺术创作方法的矛盾。

三、艺术发展的自律性

       艺术发展的自律性就是艺术自身的发展规律，它包括两方面内容：第一，从艺术的纵向发展来看，艺术发展的昨天、今天与明天之间的必然的、本质的、稳定的联系，这就是艺术发展的继承与革新。第二，从艺术的横向联系来看，不同民族艺术之间以及民族艺术与世界艺术之间必然的、本质的、稳定的联系，这就是多民族艺术的借鉴与创造，民族艺术与世界艺术的相互影响与融合。

      （一）历史继承性是艺术发展的普遍规律

        所谓艺术发展的历史继承性，就是前代艺术对后代艺术的巨大影响以及后代艺术对前代艺术的积极成果的继承保留。它揭示了艺术发展历史之间的必然的、本质的、稳定的联系。这是古今中外一切艺术发展都应遵循的普遍规律。

        在人类历史上，一切思想成果都不是凭空产生的。一方面，它们是社会的经济、政治等客观因素所决定的，是各种客观因素的反映；另一方面，它们是在前人所提供的思想资料基础上发展而成。

        艺术发展的历史继承性主要表现在以下三个方面：

      （1）艺术作品思想内容的继承。

      （2）艺术作品形式的继承。

      （3）艺术种类和艺术创作方法的继承。

       （二）艺术发展具有历史继承性的原因：

      （1）艺术发展的历史继承性是由社会物质生活发展的连续性所决定的。

        艺术是社会生活的反映，社会物质生活的连续性决定了艺术发展的连续性，艺术发展的连续性决定了艺术发展的历史继承性。

       （2）艺术发展的历史继承性是由艺术本身的性质所决定的。

         艺术是人们对现实世界认识的一种表现，而认识是世代积累的过程。昨天的认识是今天认识的基础，明天的认识是今天认识的结果。这是一个不中断的连续过程。每一个时代的艺术，都是那个时代的艺术家审美认识的结果，后代的艺术家则在这些审美认识的基础上继续深化。审美认识的连续性决定艺术发展的连续性，也决定了艺术发展的历史继承性。

       （3）艺术发展的历史继承性是由艺术表现生活的任务决定的。

        艺术的任务是表现生活，要表现生活就要继承前代艺术家表现生活的形式和技巧。学习西画就要继承焦点透视、光线明暗、比例对称、色彩关系等等，学习国画就要继承十八描法以及皴、擦、点、擢、演、染等基本笔墨技法。

     （三）艺术遗产的原则：

        继承艺术遗产的原则是批判的原则。

        怎样区分艺术遗产的精华与糟粕：

      （1）要把统治者的艺术与被统治者的艺术区分开来。在阶级社会中，有两个对立的阶级；反映在艺术中，就有两种艺术，一种是反对的艺术，它反映统治阶级反动的思想感情，是艺术遗产中的糟粕；另一种是进步的艺术，它反映被统治阶级进步的思想感情，是艺术遗产中的精华。

      （2）要把某一具体艺术作品中之精华与糟粕区分开来。

        要坚持继承艺术遗产的批判原则，即是要取其精华，弃其糟粕。就要反对“肯定一切”与“否定一切”两种错误。“肯定一切”即全盘继承，表现为复古主义。“否定一切”即简单抛弃，表现为虚无主义。

      （四）艺术继承的条件和类型：

        任何一个时代都面临着以前留下来的浩如烟海的艺术遗产，如何从中选取有用的东西加以继承，并不是一件随意的工作。一般说来，艺术继承的条件艺术风格的相似性。也就是说，只有风格相似的艺术才具有继承的可能性。

        艺术继承的条件决定艺术遗产继承的类型。艺术遗产继承的类型有两种：

      （1）同一艺术风格渐进延续中继承。

        这是艺术发展过程中量的渐进，它往往表现在同一时代的艺术作品之间，继承的效果是对某一艺术风格的完善。

      （2）不同艺术风格飞跃断裂的继承。

        在艺术发展过程中既有量的渐进，也有质的飞跃断裂。放眼艺术发展的整个过程，质的飞跃断裂是不断发生的，肯定阶段的艺术发生飞跃断裂产生否定阶段的艺术，否定阶段的艺术发生飞跃断裂产生否定之否定阶段的艺术，不同阶段的艺术在风格上有质的差别，不可能产生继承关系；但是，它与肯定阶段的艺术在风格上又具有某些相似性，必然会产生继承关系。

     大洋洲原始岩画艺术

        艺术的发展遵循否定之否定规律。

        古希腊的艺术（表现人）-中世纪的艺术（表现神）-文艺复兴的艺术（表现人）。

        文艺复兴艺术中的人与古希腊艺术中的人并不是完全等同的：古希腊艺术中表现的是一个美的、健康的人；文艺复兴艺术中表现的是一个有自由平等博爱理想的人。中世纪的艺术并不继承古希腊的艺术，文艺复兴时代的艺术也不继承中世纪的艺术。文艺复兴艺术所继承的是遥远的古希腊艺术。

        整个人类的艺术发展也遵循着否定之否定规律：浑朴天真的原始艺术——求真写实精雕细刻的传统艺术——西方现代派艺术。

        西方现代派艺术的理论家把求真写实、精雕细刻的传统艺术斥之为非艺术、伪艺术，认为“艺术不是也不可能是再现性的”，他们大声为原始艺术叫好。

        现代派艺术认为原始艺术的价值在于：

        首先，原始艺术稚拙简朴的形式。

        几千年的艺术发展使精雕细刻的艺术形式愈加繁复，现代人产生了对立的审美心理，喜爱粗朴古拙的形式。

        其次，原始艺术丰富大胆的想象。

        艺术愈是精雕细刻。幻想与想象的成分便愈贫乏，现代人感到原始艺术神秘幻想的纹饰有无穷的审美韵味。

        再次，原始艺术单纯直率的内心表露。

        艺术愈发展便有愈多的理性说教，现代人厌恶了理性说教追求单纯直率。

        最后，原始艺术的混沌性。

        现代派艺术也否认艺术与非艺术的原则界限，艺术家与非艺术家的本质区别，原始艺术的许多特征都被现代派艺术所继承：稚拙、天真、简洁、装饰性、平面性、野性的力量、神秘的内涵、大胆的想象以及它的混沌学，都以崭新的面貌在现代派艺术中复活了。原始艺术就这样转换为现代的审美对象。

原始岩画                       扁平化设计

     （五）革新是艺术发展的必然趋势：

        革新是一切时代、一切民族艺术发展过程的必然规律。

      （1）革新是艺术的任务所决定的，艺术的任务是反映生活。生活是发展的，因此，反映生活的艺术也是发展的。这是艺术革新的客观必然性。

      （2）革新是艺术的本性所决定的，艺术的本质就在于创新，没有创新就没有了艺术。

      （3）革新是欣赏者的审美需要所决定的。欣赏者在艺术欣赏时总是求新、求异、求变，欣赏者的审美需求决定了艺术革新的必要性。

      （4）革新是艺术家的个性和思想感情的独特性所决定的。不同的艺术家的思想感情虽有共同点，但必然具有独特性。一切艺术作品都是艺术家思想感情的独特的表现，艺术家的思想感情的独特性决定了艺术革新的必然性。

           原始岩画

     （六）艺术发展过程中革新的表现

        第一，从艺术作品来说，革新可以表现为艺术作品内容的革新与艺术作品形式的革新。

        艺术内容的革新即创造新的艺术形象、表现新的思想感情，这是艺术作品革新的主导方面。艺术内容来自艺术家对社会生活独特的审美认识与审美评价。由于社会生活的发展引起人们思想感情的变化，这就必然带来艺术内容的革新。

        艺术内容的革新必然带来艺术形式的革新，即艺术作品组织结构与艺术语言的革新。

        第二，从艺术家的角度来说，革新可以表现为对他人的超越和对自我的超越。

        对于艺术家来说，革新首先表现在对他人的超越，即对先辈和同辈艺术家的超越。艺术的发展过程与科学的发展过程不同。

        艺术的创新，不仅要超越他人，还要超越自己。也就是说，创新，不仅是对别人而言，而且是对过去的自己而言。自己过去的创新，对于今天来说，已经成为传统。相对说来，超越自我比超越他人更为困难。

        第三，从革新的程度来说，革新可以区分为同一艺术风格延续中的革新与不同艺术风格转变中的革新。

        在艺术发展过程中，所谓同一艺术风格延续中的革新，实际上是艺术发展的量的积累，是对某一艺术风格的完善，而不是艺术风格的根本变革。 所谓不同艺术风格转变中的革新，实际上是艺术发展过程质的飞跃，是对某种艺术风格的根本变革，是新的艺术风格的产生。

      （七）艺术发展过程中继承与革新的关系

        艺术发展过程中继承与革新是辩证的统一。它表现在两个方面：第一，革新是继承的目的。离开革新的继承是复古主义，只有以科学为目的的继承才是科学的批判继承。第二，继承是革新的基础。离开继承的革新是虚无主义，只有在继承基础上的革新才是成功的革新。

        任何时代、任何民族的艺术都是在继承与革新的辩证统一中向前发展，这是艺术自身运动的一个普遍规律。

印度佛教造像              云冈石窟造像